‘Turma da Mônica: Laços’, uma frustração para uma fã dos gibis da infância

Em cartaz nos cinemas: TURMA DA MÔNICA: LAÇOS
Nota 6

Li em algum lugar que “Turma da Mônica: Laços” era o melhor filme infantil da história já produzido no Brasil. Apesar de pensar, suspeitissimamente, que seria difícil chegar ao patamar de “Menino Maluquinho”, fui ao cinema pensando: vá lá, quem sabe o filme live action conseguiu mesmo fazer jus a esta obra incrível que Mauricio de Sousa criou há nada menos que 60 anos e que já divertiu gerações e mais gerações.

A verdade é que o diretor Daniel Rezende foi bastante corajoso em encarar essa empreitada. Eu, como uma dentre os milhões de leitores vorazes de gibis da Turma da Mônica, fui ao cinema com olhar muito mais crítico do que generoso.

Pode ter sido excesso de olhar crítico da minha parte, mas o fato é que saí do cinema um pouco frustrada com a obra. Vou começar pelo começo: a escolha dos atores. A Mônica de Giulia Benite ficou muito fofa. A Magali da magrinha Laura Rauseo foi uma das melhores escolhas. A personagem foi responsável pelos melhores momentos humorísticos do filme. O mesmo não se pode dizer do Cebolinha cabeludão (!!) de Kevin Vechiatto e muito menos do Cascão cabeludão (?!) de Gabriel Moreira. Os dois mocinhos da turma não têm nada a ver com os personagens! Mas, claro, isso já vem sendo falado há meses, quando os atores foram anunciados em tudo quanto é lugar.

O protagonista de verdade é o Cebolinha, não a Mônica.

Agora vamos para o roteiro: além de eu ter achado a história muito fraquinha, com muitos momentos de buracos, em que nada acontece de verdade, e bem longe das emoções despertadas, por exemplo, por “Menino Maluquinho” (cena do balão, cena da morte, cena da separação etc), uma coisa me incomodou de verdade: o filme deveria se chamar Turma do Cebolinha, e não Turma da Mônica!

A história é sobre o sumiço do Floquinho, o cachorro verde do Cebolinha. Ok, já se esperava que o baixinho que fala elado tivesse, portanto, um bom destaque na trama. Mas daí a se tornar o protagonista disparado, achei um exagero. Mônica é a principal, pô! Em uma cena do filme, que até foi parar no trailer, eles discutem se são a turma da Mônica ou do Cebolinha. Ela ameaça com o Sansão e acaba ficando da Mônica mesmo. Mas então a baixinha limitou-se a ser uma menina que resolve toda e qualquer questão na base da ameaça e da porrada? Eu não me lembrava disso, e não era assim a Mônica dos gibis.

Seja como for, se alguém se der ao trabalho de cronometrar, verá que o Cebolinha aparece o dobro das vezes que a Mônica. Ele começa e termina o filme. Isso não faz o menor sentido, é quase uma afronta à protagonista criada pelo Mauricio de Sousa.

(A propósito, essa discrepância se refletiu na vida real dos atores. Enquanto o ator do Cebolinha tem mais de 2 milhões de fãs no Instagram, a atriz da Mônica tem 150 mil…).

Outra coisa do roteiro que me chamou a atenção negativamente foi o excesso de puberdade dos personagens. Os garotinhos do gibi tinham, se não me falha a memória, 7 anos. No filme, são todos pré-adolescentes doidos para namorar uns com os outros. Claro, depois o Mauricio de Sousa criou os jovens da turminha, já bem crescidinhos (e que não são da minha época), mas este também não é o caso de “Laços”. Estamos falando de crianças com seus 10 a 11 anos, mas parecem mais interessados em se apaixonar do que em brincar. (Imagino que estejam em sintonia com as crianças de 10 anos de hoje em dia…)

E agora eu chego a um detalhe que me incomodou na estética do filme. O figurino é impecável. O bairro do Limoeiro é retratado com o mesmo charme que sempre imaginei. Os outros atores ficaram muito legais, inclusive a mãe do Cascão parece ter saído de uma página de revistinha, de tão idêntica. Mas a iluminação é sempre aquela luz alaranjada de pôr do sol! O dia transcorre inteiro naquela iluminação artificial. Fica bonito pra danar? Fica. Mas também fica inverossímil.

Mas o que importa é que a sala de cinema aplaudiu no fim, então imagino que o filme tenha agradado à maioria das pessoas. Talvez tenha mexido com a nostalgia dos mais velhos, talvez tenha encantado os pequenos. Talvez eu esteja com dor de cotovelo por causa do “Menino Maluquinho”, alguém irá dizer. Mas minha frustração foi muito mais por conta de eu ser fãzona da Turma da Mônica do que pela comparação entre filmes de personagens literários tão marcantes.

“Menino Maluquinho” virou um clássico. Em terra de Xuxas e Trapalhões, torço para que “Turma da Mônica”, apesar de minha rabugice, se torne um clássico também.

(E vida longa ao Louco, do sempre genial Rodrigo Santoro! O cara é tão fera que só fez uma pontinha e já fez a diferença no filme.)

Rodrigo Santoro louco

 

Assista ao trailer do filme (que é melhor que o filme em si):

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‘Dor e Glória’: o filme da vida de Almodóvar, literalmente

Vale a pena ver no cinema: DOR E GLÓRIA (Dolor y Gloria)
Nota 9

Não foram tantos filmes assim que vi de Pedro Almodóvar, ainda mais para alguém que se define como cinéfila. A Pele que Habito (2011), Abraços Partidos (2009), Fale com Ela (2002), Tudo Sobre Minha Mãe (1999), Carne Trêmula (1997), e acho que só. Mas uma coisa todos eles tiveram em comum: são ótimos.

Este “Dor e Glória”, no entanto, me tocou de um jeito que poucos já tinham me tocado antes. Talvez a sensibilidade seja por conta de tratar-se, como só fui descobrir depois, de uma espécie de filme de memórias de Almodóvar. É como o “Roma” do mexicano Alfonso Cuarón: um filme feito com a nostalgia afetuosa apenas dedicada às nossas memórias mais antigas, às da infância, às da vida em família, às das primeiras descobertas importantes.

Em pelo menos duas cenas, chorei tanto, mas tanto, que fiquei com medo de soluçar e fazer barulho na sala do cinema Belas Artes. Assim, fiquei alguns segundos simplesmente retendo ar, com dificuldade de respirar, nas lágrimas mais mudas que pude. (Para quem já tiver visto: foi na cena do desenho encontrado e do ovo de herança).

Antonio Banderas está maravilhoso!

E por que tanta comoção? Porque é um filme belíssimo sobre muitas coisas, que envolvem o amor materno, o amor sexual, a identidade, a paixão pelo trabalho, as dores que imobilizam (inclusive as psicológicas), a capacidade de perdoar, a passagem do tempo, o reencontro com o passado, o vício, a dependência, a redenção. Em menos de duas horas, Almodóvar consegue tocar em todas essas questões, com delicadeza, profundidade, graça, muitas cor e numa narrativa que mescla presente e passado com grande desenvoltura. O filme corre tão bem que nem a colocação de um monólogo teatral bem no meio interfere em sua fluidez.

Não se enganem, porém, ao achar que trata-se de um dramalhão. Que é um filme apenas triste. A linguagem de Almodóvar, como aconteceu nos outros longas dele que vi, comporta muitos momentos de humor e leveza, que são sua marca registrada. E, sobretudo, de grande beleza.

Penélope Cruz faz um papel importante, embora pequeno.

Entre os atores que compõem um elenco enxuto, mas de muito peso, estão os sempre maravilhosos Antonio Banderas (que levou o prêmio de Cannes por este papel de alter-ego de Almodóvar) e Penélope Cruz. Os outros que se destacam são Asier Etxeandia (Alberto Crespo), Leonardo Sbaraglia (Federico Delgado) e Nora Navas (Mercedes). Mas o filme gira quase o tempo todo em torno de Banderas, em atuação impecável em todos os momentos. Podia ser um monólogo com ele, e talvez desse certo do mesmo jeito.

O outro prêmio importante que o filme levou em Cannes foi pela trilha sonora de Alberto Iglesias, que já foi indicado a três Oscars em sua carreira, por O Espião Que Sabia Demais (2011), O Caçador de Pipas (2007) e O Jardineiro Fiel (2005), que também lhe rendeu um Cannes.

A quem tiver curiosidade, a trilha impactante já está no Youtube:

Acho que os prêmios não vão parar por aí.

“Dor e Glória”, assim como Almodóvar, que é a mais pura definição desses substantivos, merecem arrebatar muitas audiências vindouras. Que venha o Oscar 2020!

Assista ao trailer do filme:

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‘O Retorno de Mary Poppins’: uma homenagem aos fãs

Vale a pena assistir: O RETORNO DE MARY POPPINS (Mary Poppins Returns)
Nota 8

Aviso logo de cara: sou fã de carteirinha de “Mary Poppins“, o filme original de 1964. Já escrevi sobre ele aqui no blog. Assisti a esse clássico provavelmente umas dez vezes já, sendo que boa parte delas foi na companhia do meu filho de 3 anos e meio, que também é fã.

O quê?! Um menino de 3 anos, acostumado a animações supercomputadorizadas, é fã de um filme da década de 60, com efeitos especiais antiquados e com duas horas e vinte minutos de duração?! É isso mesmo que vocês leram. O que justifica o fato de “Mary Poppins” ter se tornado um clássico. Sua magia agrada a todas as gerações – e também agradará às vindouras, por muitas e muitas décadas, enquanto sua mensagem, seu manifesto contra a chatice do mundo adulto, se fizer necessária.

Desconfio que para sempre.

Dito isso tudo, fui ver “O Retorno de Mary Poppins” desconfiadíssima. É óbvio, inevitável, inescapável comparar Emily Blunt com Julie Andrews. Em formosura, em talento, em olhadela no espelho. E, por melhor que Emily seja, não tem jeito: Julie Andrews É Mary Poppins. Não tem como ninguém chegar aos pés dela. Até o olhar e os momentos de seriedade de Mary, interpretada por Julie, são muito peculiares. A Emily resta, apenas, fazer sombra à atriz veterana – ainda que tenha ganhado sua gentil aprovação.

E o que dizer de Dick Van Dyke? Seu Bert é o mais charmoso e carismático do planeta. Por mais que o Jack de Lin-Manuel Miranda também seja simpático, a gente fica com saudades do outro companheiro de aventuras de Mary e das crianças. Pelo menos são personagens diferentes, de todo modo. Não é aquela comparação batendo à nossa cara a cada cena. (Ah, e Dick faz uma pontinha no filme, aos 93 anos de idade, só para nos alegrar!)

Os minutos iniciais do longa foram essa comparação a cada instante. Com o “retorno” perdendo para o original o tempo todo. Mas, aos poucos, a mensagem de Mary Poppins vai se fazendo mais forte e nos conecta com o essencial: a importância da imaginação, da fantasia, do faz de conta, da alegria, do bom humor, da brincadeira – enfim, de tudo o que pertence à alma das crianças – para nos mantermos vivos (de verdade) até a velhice. A importância de não esquecermos nossa criança interior, porque é só com ela que podemos superar os piores problemas da chatíssima vida adulta.

Aos poucos, a comparação deixou de se fazer relevante, porque finalmente entendi que este “retorno”, 55 anos depois, nada mais é que uma bela homenagem à Mary Poppins de sempre, e à sua mensagem para as crianças da década de 60 e para as de hoje, para os adultos daquela época retratada no filme (fim dos anos 30) e para os de hoje. Eterna, perene. São várias as referências do filme ao anterior, que a gente, que é fã, vai vendo e se deliciando. Os pinguins, a pipa, a alameda, a piada fatal, os quadros, o sapateado dos trabalhadores, até a paleta de cores usada. Só senti falta demais do “supercalifragilisticaexpialidoce”.

É, acima de tudo, um filme nostálgico principalmente para os fãs de Mary Poppins. Com direito a animações feitas a mão, sem ajuda de computadores, como antigamente. Um filme que também nos homenageia, porque nos cerca de memórias, assim como faz com a Jane e o Michael Banks trintões. É como um Peter Pan batendo à janela de Wendy anos mais tarde, para levá-la ao universo mágico da Terra do Nunca.

Merecemos esse resgate de vez em quando.

Se não fosse uma sequência de um clássico de tamanha envergadura, este filme mereceria muitos aplausos? Sim, mas vou deixar uma breve ilustração, para arrematar o post: “O Retorno de Mary Poppins”, ao qual dei nota 8, foi indicado a quatro categorias do Oscar 2019 – melhor trilha sonora, melhor canção, melhor figurino e melhor direção de arte. Não levou nenhuma. Já “Mary Poppins”, nota 10, foi indicado a 13 categorias do Oscar 1965, e ganhou em cinco (inclusive a de melhor atriz para Julie Andrews). Eis a diferença entre homenagem e homenageado.

Assista ao trailer do filme:

Ouça a canção que concorreu ao Oscar:

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‘O Gênio e o Louco’, por Carlos Seixas

O leitor do blog Carlos Seixas enviou uma reflexão sobre o filme “O Gênio e o Louco“, que estreou no Brasil há duas semanas. Carlos Seixas é, em suas palavras, “amazonense, poeta e funcionário público, em Recife, a terra do frevo”. Ele já havia contribuído com o blog antes, com o poema “Paraopeba”, vejam AQUI. Ainda não assisti ao filme, mas fiquei curiosa, depois de ler este e-mail do Carlos Seixas. Confiram:

GÊNIO, EU, NÓS? LOUCO, NÓS, EU?

“Penso cá com meus botões: A velha frase insiste e persiste, “de médico e louco todos nós temos um pouco”. Trata-se de referência à relação médico-paciente, mais especificamente de um psiquiatra e seu cliente. O capitalismo continua em voga e a indústria farmacêutica agradece. Mas, aqui, o caso é diferente, ou não, como diria o baiano Caetano. Venho falar do filme “O Gênio e o Louco”. Ao final da película, me vi induzido a acreditar que o gênio e o louco habitavam o mesmo corpo, ou a mente. Será que estou ficando louco? Ou sou um gênio? Durma-se com uma bronca destas, mas só após assistir ao filme, respaldado(a) pela boa gramática da nossa adocicada língua brasileira, mas portuguesa. Não deixem de ir ao cinema para ver este brilhante filme. Pena que um tema tão “hard” não tenha explorado mais a poesia que, por exemplo, abrilhantou o francês “Nos vemos no Paraíso”, tão elogiado no último Festival Varilux que aportou em nossa terra tupiniquim. Boa sessão! E depois, sem ficar louco, emita a sua opinião! Caso seja um gênio, emita mesmo assim!”

Se você também tem algum poema, conto, crônica, resenha de filme, análise ou outro texto bacana de sua autoria que queira ver divulgado aqui no blog, envie para meu e-mail! Vou analisar com carinho e, se tiver a ver com nossa proposta, seu texto poderá ser publicado na seção de textos enviados pelos leitores 😉

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‘Dumbo’: um Tim Burton mais contido em suas fantasias

Vale a pena assistir no cinema: DUMBO
Nota 8

Quando penso num filme de Tim Burton, logo imagino coisas criativas, fantásticas, extraordinárias ou simplesmente bizarras. Ele foi o mago, afinal, por trás de filmes como “Beetlejuice” (1988), “Edward Mãos de Tesoura” (1990), “Peixe Grande” (2003) e de outras duas adaptações de clássicos antigos: “A Fantástica Fábrica de Chocolate” (2005) e “Alice no País das Maravilhas” (2010). Ao ver “Dumbo”, encontrei muitas cenas extraordinariamente bonitas, muita nostalgia, mas Burton esteve mais contido em sua criatividade.

E olha que estamos falando do universo dos circos, já carregados de magia por si só. Sempre imaginei aquelas trupes circenses da primeira metade do século 20, quando ainda não era ambientalmente incorreto carregar animais em jaulas e trilhos, como cenários de aventuras fantásticas, como ciganos detentores de poderes mágicos, capazes de voar pelos trapézios, fazer truques assombrosos e encher os olhos da gente de cores e luzes.

(Claro que, na prática, devia ser uma vida de muito menos glamour e sonhos do que na imaginação coletiva. Mais ou menos como acontece com os piratas, que eu sempre imaginava aventureiros maravilhosos, e me decepcionei ao descobrir que viviam em navios cheios de pulgas, com biscoitos duros estocados nos porões.)

Em “Dumbo”, Tim Burton parece querer explorar mais o lado realista dos circos formados por trupes em trapos do que o lado maravilhoso. Não quero dizer com isso que este filme, que é voltado para as crianças, em essência, intencione discutir o lado histórico ou sociológico das caravanas circenses. Só que, ao lado das cenas mágicas e maravilhosas do filhote de elefante voando, ou de profissionais reais de circo fazendo performances lindas, veremos também muita poeira, muita sombra e um ar mais soturno e de tons pasteis do que vibrante e colorido. Mais de filme de época do que de filme infantil.

Não vemos personagens bizarros e toda aquela loucura divertida, característica de Tim Burton, mas apenas a bizarrice já esperada de personagens de circo, e, de resto, uma história tocante sobre um filhotinho que vira alvo de pessoas gananciosas e que só quer mesmo estar reunido de volta com sua mamãe. Um enredo clássico, com direito aos heróis e vilões e a não muitas surpresas.

Quem leu até agora pode estar achando que não gostei do filme. Não é isso, muito pelo contrário. Só achei diferente da assinatura costumeira do diretor. Mas foi uma experiência nostálgica e muito divertida, ao longo de quase duas horas que passaram, literalmente, voando. O time de atores é de primeira, com feras como Colin Farrell, Michael Keaton, Danny DeVito e Eva Green. Os efeitos especiais, o design de produção e o figurino são impecáveis, dignos de concorrer ao Oscar.

É só que o “Dumbo” original, de 1941, é mais lisérgico e alucinante do que o de Tim Burton, de 2019 – quem diria! Mas em tempos de defesa dos animais, ver os olhinhos azuis expressivos escolhidos para Dumbo talvez faça mais sentido do que ouvir ratinhos conversando com elefantes. Talvez a mensagem contemporânea, mais sisuda, alcance a alma das nossas sérias crianças com mais eficiência do que o formato mais provido de imaginação. Ou talvez este seja mesmo um filme para adultos.

Assista ao trailer do filme:

P.S. Quando meu filho tinha acabado de completar 2 anos de idade, escrevi aqui no blog sobre eu ter levado ele ao cinema pela primeira vez. Naquela tentativa, fomos ver uma animação ruim e, passados dez minutos, tive que sair com ele da sala. Um mês depois, voltamos para ver outra animação (“Peixonauta”) e ele assistiu quase até o fim, mas era um filme bem curto. Depois cheguei a tentar uma terceira e última vez, para ver “Touro Ferdinando”, e a experiência não deve ter chegado aos 30 minutos de duração. Aí desisti. Cinema está muito caro para ficar testando assim, por mais cinéfila que eu seja e por mais vontade que eu tivesse de ter a companhia do meu filho comigo nas sessões.

Este “Dumbo” foi minha quarta tentativa, agora com o Luiz já com 3 anos e meio de idade. Não é uma animação, mas um filme com personagens de carne e osso – assim como em “Menino Maluquinho” e “Mary Poppins”, dois filmes que ele adora assistir em casa mesmo. E desta vez, pela primeira vez, ele viu tudinho comigo até o fim! Foi muito, muito legal a experiência, e nunca vou me esquecer da magia pessoal que “Dumbo” proporcionou nesta relação mãe-e-filho. Nunca vou me esquecer de como o Luiz entrou na história e, sentadinho ao meu lado, ficou olhando tudo sem piscar. De como, no fim, pediu para fazer foto com o cartaz do filme e disse que já estava com saudades. Isso é cinema! Espero transmitir meu amor pelo cinema ao meu baixinho, agora que ele já passou no teste.

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